Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, es el extracto del poema de “Eloisa a Abelardo”, escrito por Alexander Pope, maestro sobre temas de la  memoria, el tiempo y los recuerdos.

Esta película no es más que una reflexión sobre como nuestra vida está construida de pequeños segundos. Sobre como las cosas insignificantes forman un mundo de significancias, de como cada recuerdo por pequeño que sea forma parte de lo que somos.

El guión creado por Charlie Kaufman (guionista de Being John Malkovich, Human nature, Confession of a dangerous mind, Synecnoche, New York), quien recogió la idea de Michel Gondry, quien se inspiró en la obra del escritor inglés para crear el argumento de su nueva película.

Charlie Kaufman y Michel Gondry discutieron esta idea durante mucho tiempo. Sin embargo,  Kaufman tomó 3 años el escribir el guión, tanto por la complejidad de la idea así como por otros proyectos en los que estaba involucrado (particularmente en El ladrón de orquideas).

En la espera de Kaufman, Gondry decidió no perder más tiempo y poner manos a la obra y es en ese momento que comienza el rodaje de “Human Nature” (2001).

Kaufman termina el guión en el 2003 y la película comienza rápidamente a tomar forma.

Se habla de Björk en un primer momento para tener el rol principal, pero la artista, que ya había trabajado varias veces con Gondry, se encontraba saliendo de una depresión después de participar el “Bailarina en la oscuridad”, rechazó la propuesta pues no quería involucrarse otra vez con el cine.

El nombre de Kate Winslet sonó fuerte. La actriz aceptó gustosa el rol, que la llevaría a tener una nominación a los oscar. Se unen Jim Carrey y Elijha Wood,  quienes encontraron el proyecto muy interesante y quisieron ser parte del elenco.

El rodaje se realizó en el 2003 en la ciudad de New York.

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos es una historia de amor, que rompe en cierta medida con los límites establecidos sobre las relaciones amorosas.

Joel Barrish (Jim Carrey) es un hombre promedio en una vida promedio y sin sobresaltos que decide viajar a Mountauk en un ataque impulsividad. En este tren también viaja Clementine Kruczynski (Kate Winslet), en este punto se podría decir que es el antónimo de Joel.

En una incomoda conversación se conocen y después de un rato deciden ir a tomar una copa a lo de Clementine. ¿Es el nacimiento de una historia de amor? En el mundo real si, en el mundo de Gondry ocurre que ellos ya se habían conocido hace un año, durante una fiesta en la playa, en Mountauk.

Sucede que las cosas no andaban tan bien después de un año de relación y Clementine en un acto de impulsividad y rabia decide dirigirse hasta la clinica del doctor Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson) para realizarse un “borrado de memoria”.

Proceso que consiste en eliminar de la memoria todo trazo existente de una persona.

Joel al descubrir que Clementine lo ha suprimido de su vida, en un acto de desesperación y dolor acude a la clínica para aplicarse el mismo procedimiento.

Durante el proceso de borrado, Joel descubre que los recuerdos son un bien preciado y que no quiere perderlos, se arrepiente de haber querido eliminar a la mujer que ama de su vida.

Vemos una seguidilla de recuerdos, de cosas cotidianas, que  forman el todo de una relación y también de la vida, vemos como van desapareciendo uno a uno, en la agonía de una mente que se apaga y que queda vacía.

Joel se enfrenta al dolor de perder los recuerdos e intenta de todas las maneras posibles guardarlos en algún rincón perdido de su mente, como un tesoro del cual en un futuro se podrá disfrutar de él.

Cuando todos los recuerdos son borrados, sólo se recuerda que debe ir hasta Mountauk para poder reencontrar otra vez a su bien amada Clementine.

Al día siguiente parte a Mountauk y encuentra a Clementine en el tren.

La película, de una gran calidad técnica, cuenta con un encuadre destacable, la fotografía también remarcable y el trabajo magnífico que ha hecho Jon Brion en la música, que ayuda a crear este efecto onírico que Gondry evoca en cada film y por supuesto “Everybody’s gotta learn something”, el tema principal de la cinta que nos hace caer de manera lúcida en una suerte de  tristeza romántica.

Cabe destacar además de la excelente dirección por parte de Gondry, la labor de montaje, ya que tiene se han utilizado diversas técnicas y muchímos flashbacks y aún así nos permite seguir la historia, a pesar de la complejidad a nivel de la trama.

La excelente calidad de esta película la llevó a tener varias nominaciones, entre ellas 2 nominaciones a los oscar en 2004 por mejor actriz a Kate Winslet y mejor guión a Kaufman quien obtuvo la estatuilla. También fue nominada a los Globos de oro

A quienes no la han visto, es una peli totalmente imperdible, un nuevo clásico.

A quienes la han visto los invito a re-verla, a analizarla, a escuchar la música y poner atención al diálogo.

La imagen se hace presente con el vuelo de un pájaro y dos ratones blancos, quienes huyen de él. Es el espíritu de la supervivencia, el instinto animal que marca el inicio de la cinta y que nos acompañará durante los próximos 86′ min. Los efectos de sonidos están trabajados de tal manera que oímos los pasos de los ratones y el rose del pasto bajo sus patas, las alas del cuervo y el ruido del río. Los sonidos están a “escala humana” y podríamos afirmar que es una manera de humanizar el mundo animal.

El plano se abre y vemos los pies de un hombre, su inmovilidad nos indica que está muerto. En la segunda secuencia se deja ver  Lila Jute, una joven (Patricia Arquette) acusada de asesinato, que argumenta frente a la policía que no siente remordimiento alguno por lo que hizo. Acto seguido vemos al segundo personaje, Puff (Rhys Ifans), diciendo exactamente lo contrario e inmediatamente da paso para  reconocer al tercer personaje, Nathan Bronfman (Tim Robbins) ,quien con una bala que le atraviesa la cabeza y en una especie de limbo espacio-temporal nos dice que ya no tiene idea de que es lo que significa arrepentimiento.

Lila explica como le es igual estar encerrada en prisión o estar en libertad. Ella siempre ha estado encerrada. En un cuerpo, una sociedad, un comportamiento, ideas, morales, metas, competencias, etc.

Antes de pasar los cinco primeros minutos de la película ya tenemos a los tres personajes principales y el nudo de la historia se expone con mucha sabiduría, una fuerte crítica a la sociedad y al comportamiento humano en general es sin temor presentada.

Lila es una joven que sufre de un grave hirsutismo y que a causa de su problema es rechazada por la sociedad. Lila decide alejarse de la humanidad y se interna en el bosque para vivir en armonía con su lado animal. Pero descubre que su lado humano también tiene necesidades y que debe regresar una vez más a la ciudad. A su regreso conoce al Doctor Nathan, un científico obsesionado con el buen comportamiento y los modales de sociedad y que pronto se convierte en su novio. Lila rehúsa de su lado primitivo escondiéndolo a la vez de su enamorado e intentando convertirse en una novia modelo.

En un día de excursión al bosque la pareja descubre a Puff, un hombre que ha vivido como simio durante toda su vida y que jamás ha tenido contacto con humanos. Instantáneamente se convierte en el nuevo proyecto de Nathan, quien decide llevarlo consigo hasta su laboratorio. Su meta: convertirlo en un société.

Es una temática que muchos han intentado tocarla sin mucho éxito, salvo, claro,  por Stanley Kubrick en  The Clockwork orange (1971).

La esencia del ser humano y la sociedad. ¿Dejamos conducir nuestras vidas por dogmas sociables inamovibles?  ¿Cuál es el precio que pagamos por estar dentro de los cánones de la sociedad y ser aceptados dentro de ella? Con una lucidez admirable, Gondry, capta el fondo de esta problemática y nos la presenta de la manera más pura y simple.  Agradezco esta vez la explicación dulce y sin violencia por parte del director- en comparación con La Naranja Mecánica-.

Si bien la película tiene un guión fuerte y que goza de técnicas que la rinden interesante visualmente, carece de definición y de ritmo. Cosa que seguramente Gondry aprendió después de este rodaje y que si lo tomamos como primera experiencia se gradúa con honores.

La actuación remarcable de Patricia Arquette y Rhys Ifans (Spike, compañero de piso de Hugh Grant en Notting Hill) nos permiten introducirnos en una historia fantástica y aún así creer en ella. Nada por extraño y alejado de la realidad que este sea parece falso.

El filme tiene pasajes cómicos, que intentan adecuarse al estilo hollywoodense, pero con bromas que no alcanzan una notoriedad importante.

Es una película imperdible, con buenas técnicas, buenos actores y con una temática destacable.

Michel Gondry representa los 90′s, rescata todo lo bueno que nos conduce a la cultura pop. Música rock mezclada con ochenteros toques electrónicos. Nos regaló los clips musicales que fueron emblemáticos y por supuesto un montón de cortometrages lúcidos, simples, experimentales que le entregaron los conocimientos necesarios para crear una serie de películas que no quedarán en el pasado, que permanecerán sin época, que estoy segura serán parte de los clásicos del futuro y que en los próximos 90′s los chicos las verán y re-verán intentado dilucidar de que se trataba todo eso que Gondry quería mostrarnos.

Gondry comienza desde muy temprano ha desarrollar una sensibilidad hacia las artes, primero la música ya que su padre era músico y de él aprendió las nociones de la expresión artística. También puede ser la razón por la que muchos de sus trabajos tienen directa relación con la música.

Michel Gondry nace en París, específicamente en Versailles en 1963. Asiste a la escuela “Olivier de Serres” donde participa de la creación del grupo pop OUI OUI como baterista hasta la separación del grupo en 1992. Durante todo ese periodo realizó numerosos clips de la banda. MTV difundió el video del single La Ville y el trabajo de Gondry  atrajo a Björk, quien lo llamó para desarrollar una serie de videoclips: Human behaviour, Army of me, Isobel, Hyperballad, Bachelorette y Yoga. En el futuro participará de la creación de una gran cantidad de videoclips tales como Around the world de Daft Punk, Comme into my world de Kelly Minogue, Star guitar de Chemical Brothers y Fell in love with a girl de The White Stripes, entre muchos otros.

Aunque lo suyo es lo visual, se podría decir que de cierta manera convierte la música en imágenes. Sólo basta ver la máquina que creó para activar a través de un piano una tornamesa que a la vez eyecta colores y que los va mezclando, de esta manera las dos piezas están conectadas y realizan en conjunto una nueva creación pictórica. La musa de este técnica, muy utilizada por el realizador, es la cantante Björk, quien toca una nota mientras sus dedos están literalmente atados y unidos a los brazos de la máquina.

La sincronización mágica entre imagen y sonido que vemos en Star Guitar de Chemical brothers es realmente una representación de las notas musicales en imágenes. Donde crea un mundo fantástico y perfecto que va en sintonía con el sonido y que nos envuelve en la frescura de un viaje que parece eterno.

La invención de nuevas técnicas es lo que mejor sabe hacer, se observa que cada video es distinto al otro y que  sin embargo, mantiene su sello personal.  La técnica utilizada en Matrix para dar el efecto de tiempo suspendido mientras pasan las balas es un buen ejemplo para ilustrar la diversidad de técnicas concebidas. Michel Gondry había utilizado ya esta técnica en una publicidad para Smirnoff y también en el videoclip Like a Rolling Stone, Gimme me Shelter de The Rolling Stones.

La lista es muy larga y podríamos estar horas analizando las técnicas y los videoclips, pero mejor los dejo con algunos de los videos que Michel Gondry ha dirigido.

The white ribbon (Palma de oro 2009), “iconiza” la inocencia y la pureza, encarnada por los niños del coro de la iglesia del villorio. Se puede observar cómo esta pureza e inocencia interactúa con el infernal mundo adulto que quiebra el equilibrio del Jardín del Edén.

Una serie de inquietantes eventos se han producido en el pueblo, implicando a toda la comunidad. La desconfianza se instaura desde el Barón al campesino y los rumores contribuyen el reforzamiento de esta.

La violencia, tratada a menudo por Haneke,  es retomada en esta película de una manera muy particuliar: de un lado tenemos el juego, que el director sabe muy bien jugar: la creación de una complicidad entre el espectador y el asesino. Los personajes utilizan la muerte (o la tortura) como castigo y gracias a la complicidad creada por el director,  el espectador termina por apoyar estos actos, sin embargo, Haneke nos recuerda que estamos faltando a la moral y nos  lo reprocha hábilmente.

Por otra parte, tenemos la sociedad de la pre-guerra, en una Alemania golpeada por el hambre, el trabajo duro y los conflictos políticos, creándose un ambiente de violencia y crueldad, nacido del espíritu de supervivencia humana.

El nacimiento de iconos como el bien y el mal, conllevan a la creación de enemigos ficticios y a la ejecución de acciones radicales impulsadas por la desconfianza.

Todo este juego es fortificado gracias al manejo del montage que sugiere de manera sutil hechos que podrían o no haber sido realizados.

La manipulación del espectador por medio del montage es fuerte, ya que es en esta sugestión que se basa el cambio de opinión del público y que crea finalmente la complicidad.

La música acompaña el camino entre el cielo y el infierno, los coros angelicales marcan el ritmo y la tensión en la película, creando un contraste con la violencia visual, provocando un impacto más profundo. El silencio es un recurso que se utiliza para intensificar el sentimiento de abstracción además de producir angustia en el espectador.

Uno de los planos más bellos que se pueden rescatar de esta obra son los paisanos que trillan, es un buen ejemplo para ilustrar la excelencia estética del encuadre, sus movimientos asemejan a una danza coreográfica, se tiene la impresión de volver a la esencia del cine: un número infinito de fotografías que puestas unas al lado de las otras  producen movimiento.

En general se puede destacar que cada parte ha sido muy bien pensada, el script -escrito por Haneke-, la elección del blanco y negro, la música, el silencio, los movimientos y el casting (que duro alrededor de 6 meses ), podemos constatar que absolutamente nada en esta película fue dejado al azar.

Cámara de mano, cerca, bien cerca, tanto que parece miope, no hay música, solo se escucha la voz del narrador, que es a la vez el director y el que vivió en carne propia la historia.

Cavalier nos relata la muerte de su esposa Irène, quien murió en un accidente automovilístico en 1972, y nos conduce a través de la vivencia del dolor alrededor de este acaecimiento.

Es una historia que se deja sentir, pero que es tratada con una delicadeza insuperable, que esquiva el cliché y no nos permite botar ni una lágrima.

Alain Cavalier, cineasta y documentalista francés nos presenta Irène (2009), una autobiografía con carácter, con preguntas simples pero que van al punto, reflexiva de principio a fin.

Pese a todos los peros que pueda tener con la industria de Disney, no puedo dejar de pensar que mister Disney fue siempre más allá de lo que se podía esperar para la época y nos ha entregado una enorme cantidad de películas de alta calidad y a la vez que han innovado de gran manera a la industria.

Esta inquietud llevo a Walt Disney a estar siempre al tanto de todas las corrientes artísticas y no fue reacio a la experimentación, es así cómo en 1940 dio vida a “Fantasia” película experimental muy ligada al surrealismo, en la que cuenta con la participación de un variado elenco de artistas entre los que sobresale Oskar Fischinger, quien realiza un trabajo muy importante en relación a la sonorización de imágenes. Es en este film que se logra la delicada perfección entre música e imagen, técnica que hasta hace pocos años antes de la salida de la película no estaba del todo desarrollada. Es de esta manera que encontramos la mágica secuencia de “J.S Bach Toccata y fugue en D menor”.

Sin embargo, la inquietud de Disney no acababa ahí, en 1945 lo llevó a la creación de un proyecto producido por él, basado en una canción del mexicano Armando Domínguez y que fue interpretado visualmente por Salvador Dalí.

Finalmente el film no fue terminado por razones económicas y debió esperar hasta el año 2003 para que en el Festival Internacional de Animación de Annency fuera visto.

Testigo del trabajo realizado se puede encontrar en el registro fotográfico del sitio de disney.

http://www.collectorseditions.com/disney/vitae.php?aID=520Destino

Digo descubrir ya que las cintas de esta película se pensaban perdidas, sin embargo, el registro de tal mítico rodaje deposaba en un archivo fílmico pero en medio de un gran disputa legal entre la compañía de seguros y la viuda de Monsieur Clouzot que prohibía proyectar el material.

Tal como relata el restaurador y director de esta, la nueva cinta de L’enfer, Serge Bromberg, fue gracias a un ascensor en pana que ayudó a que finalmente fuera él quien pudiese recuperar los aproximados 110 carretes de cinta que fueron filmados. Visionarlos, analizarlos, restaurarlos para poder dar vida a este nuevo material que prontamente será exhibido en el cine.

Bromberg relata con el desplante que caracteriza a alguien que a trabajado en televisión por 15 años como esta cadena de hechos inesperados lo llevaron a revivir el infierno.

Luego de llegar a un acuerdo con la aseguradora el segundo paso fue convencer a la viuda de Clouzot de ceder los derechos y permitirle recuperar las cintas. Situación a la que madame Clouzot se opuso fuertemente de la misma manera que lo hizo con todos los demás que vinieron antes con la misma intención.

Luego de un buen discurso donde describía lo especial que era él, su trabajo y todo lo demás la opinión de madame Clouzot seguía intacta, argumentando que si no pasaba nada especial con alguien no veía la razón de tener que entregar las cintas.

Gracias a la facilidad verbal de Bromberg ella decidió no entregarle las cintas pero si acompañarlo hasta el ascensor y luego de ruegos y más ruegos ella rió y firme y sin ceder a la entrega de las películas, accedió acompañarlo hasta la entrada del edificio, y de pronto… ¡se quedaron encerrados en el ascensor por 3 horas!

Al cabo de 3 horas, cuando salieron del ascensor, ella accedió entregarle los derechos y las películas argumentando que por fin había pasado algo especial y que se había ganado el honor de hacer renacer el trabajo de su marido.

Es así como (re) nace  el Infierno de Clouzot, película experimental que contó con un enorme presupuesto pero que debido a los diversos problemas dentro del plató y un ataque cardiaco que dejó por varios meses a Clouzot en estado de coma, no pudo terminarse.

Los extractos de la filmación son alucinantes, se comprende muy bien como se ganó el apodo del Hitchcock francés, la estética cuidada al más mínimo detalle, la experimentación con la iluminación y el sonido nos da efectos jamás antes vistos.

La simple historia de un marido celoso y la obsesión con su esposa, la voces internas y el comportamiento de un hombre normal que se va perdiendo en la obsesión, Clouzot ha sabido como desarrollar el sentimiento al punto de que logra transmitir perfectamente las emociones y angustias de los personajes.

La mezcla entre las filmaciones de l’enfer, las entrevistas y la reproducción contemporánea de trozos faltantes de la historia entregan un trabajo que logra darse a entender, tanto la historia original como los sucesos acontecidos durante el rodaje además de entregarnos pinceladas de la interesante biografía de Henri-Georges Clouzot.

Sólo nos da más ganas de ver y conocer más sobre Clouzot.